Venía de un mundo muy, muy oscuro, donde la mujer se encontraba en una posición bastante dolorosa, completamente marginal. Lita Cabellut había nacido en Sariñena (Huesca) allá por 1961, pero sus primeros años no fueron los propios de una niña de su edad. Abandonada por su madre, que ejercía la prostitución, se vio abocada a vivir la calle, a conocer el desamparo y el dolor, a idealizar el cariño. Fue su abuela quien se la llevó a Barcelona, pero casi para desocuparse de ella. Allí conoció los monstruos de la indigencia, la soledad y el desvalimiento, hasta que a los 8 años, sin aún leer ni escribir, ingresó en un orfanato. No fue hasta casi un lustro después cuando una familia acomodada la adoptó para intentar cambiar su vida.
Y tanto que lo hizo. Con un solo gesto. El de llevarla de la mano por primera vez al Museo del Prado de Madrid. Allí, la pequeña (Manue)Lita se separó un instante de sus padres adoptivos y recorrió la galería que la llevó a encontrarse con esa obra maestra de frente. Perpleja y emocionada, contempló durante minutos la majestuosidad de Las tres Gracias, de Rubens. "Cuando llegué y vi a tres mujeres que bailaban desnudas, felices, celebrando la existencia..., me pareció algo tan bello que me dio esperanza para seguir conociendo la vida. Allí me di cuenta de que había otro tipo de mujeres, de situaciones. Y sentí, delante de ese cuadro, que quería ser artista".
Medio año después de aquella anécdota, Lita regresó al Prado. Entró en la sala de las Pinturas Negras de Goya y se asustó muchísimo. "Reconocí ese mundo porque lo había vivido. Salí corriendo, me dije que no me gustaba ese pintor y que no volvería a visitarlo nunca más. Pero no faltó ni siquiera un año para hacer de esa mi sala favorita. Comencé a descubrir a Goya y empecé a hacer ejercicios de ver las cosas en diferentes perspectivas: el arte te hace sentir que también, a veces, eres un mero espectador, que no eres parte de esa tragedia. Este es el poder del arte, que te introduce o te desplaza de los sitios difíciles. Cuando eres joven y no tienes experiencia, estás en modo supervivencia y rehúyes de todo aquello que te hace daño. Los niños son muy flexibles, poderosos, valientes y radicales en lo que no es bueno para ellos. Y si tenemos la oportunidad de huir, de borrar esa situación, lo haremos para sobrevivir...". Hoy, casi medio siglo después de aquello —y muchos fantasmas derribados—, Lita es la artista contemporánea española más cotizada en el mundo tras Barceló y el ya desaparecido Juan Muñoz, sus obras alcanzan cifras astronómicas y se exponen a lo largo y ancho del planeta. El arte... como catarsis, la purificación y la purga de emociones.
HARPER’S BAZAAR: ¿De qué versa el arte para Lita Cabellut?
LITA CABELLUT: El arte es maravilloso, es magia, alegría, confusión, desgarro, muerte en vertical, diluvio, sequía... El arte es todo lo que nos hace felices y todo lo que nos hace infelices. Es un organismo muy exigente, pero siempre muy agradecido. A medida que voy creciendo denoto que la rebeldía contra el arte no sirve, debe ser la obediencia, ya que el arte es mucho más inteligente y grande que el ser humano.
HB: Dice que el arte es desgarrador porque hace que saquemos a la luz nuestros propios sentimientos, ¿qué habría sido de usted sin ese canal de expresión?
LC: Siempre digo que habría sido una persona despreciada, amargada, profundamente conflictiva, porque, a mí, el arte me ha curado, me ha curado de ver el mundo en perspectiva, con diferentes ángulos, con diferentes planos. Me ha hecho hacer ejercicios de humildad, de libertad y responsabilidad, porque ser artista es algo profundamente responsable, porque lo estás entregando a la gente, al mundo... Tiene que venir desde un núcleo puro, aunque sea un núcleo oscuro, fangoso, difícil de digerir..., pero es puro de verdad. El compromiso con el arte es la verdad, y para la verdad tienes que ser muy responsable de tu vida y muy consciente de la vida ajena.
HB: Los episodios de vida que suceden al final son expresiones dentro de la obra, ¿hay mucho de Lita Cabellut en su obra?
LC: Todo, todo. Podríamos decir que mi obra es un gran diario de mi vida. Yo vivo por medio del arte, no soy artista de 8h a 17h. El arte para mí está integrado en todo, en cómo me muevo, cómo como, cómo veo una flor, cómo es mi enfado, mi delirio, mi simpatía, mi soberbia... Todo está conectado en el arte porque es mi foco de vida y no me puedo imaginar vivir sin el arte. Vivo, veo, siento, defino, me equivoco o acierto todo a través del arte.
HB: ¿Cree que su faceta de artista nació en su adolescencia?
LC: El artista va naciendo con los años. Cuando te conectas con el arte, cuando de repente se mete en tu corazón, en tu estómago, en tu cerebro..., de repente pasan muchas cosas de las que no eres consciente. El arte empieza a despertar tu talento, pero ese talento tiene que ir acompañado de un carácter de perseverancia, de disciplina, ambición y poder. He conocido a lo largo de mi vida muchísimos talentos muy potentes que no han sobrevivido porque la curiosidad, la pasión o la necesidad de acercarse no estaban. Y ese talento, al final, se encoge, seca y desaparece. El talento es como un músculo que tienes que entrenar hasta que se vuelva columna de acero para poder soportar todo ese mundo que te va a ir ofreciendo, exigiendo, quitando... Porque el arte es también como el mar, viene, se va, hay corrientes fuertes que no las sientes y tienes que estar allí, navegando, como un roble, esperando a que vengan. Ser artista es una actitud.
HB: ¿Cómo es realmente su proceso de creación?
LC: Totalmente agónico, porque cuando creas estás en busca de algo que tiene que representar tu sentimiento, sacarlo de tus entrañas, darle una forma que sea visible y que se pueda contagiar, leer, tocar, sentir... Es una responsabilidad agónica.
HB: A lo largo de su trayectoria ha sentido una profunda admiración hacia los maestros clásicos del expresionismo, pero también se ha sentido identificada con el impresionismo abstracto; ¿por qué su leitmotiv siempre es la sociedad y el ser humano en primer plano?
LC: Esta obsesión que tengo por la sociedad y el ser humano, por entenderlos, por acercarme, es esa necesidad de entender de dónde vengo y quién soy. Son todo el tiempo autorretratos que voy haciendo para entenderme más y más a mí misma, es una búsqueda constante de mí misma. Creo que el ser humano, todos colectivamente, nos parecemos extraordinariamente, hay grupos de diferencias, pero aun en esas diferencias, también nos parecemos. Por eso creo que para mí es una obsesión, a través de la humanidad, reconocerme, estudiarme, entenderme, quererme, perdonarme, odiarme... Cuando pinto a un dictador, me estoy pintando a mí misma, o sea, el dictador está en mí, porque también soy un ser humano y según las circunstancias de la vida podría haber sido un dictador o una prostituta, un vagabundo, una víctima o un verdugo. Todos esos espectros podría ser yo y quiero entenderlos todos. Para mí, el arte sin el motivo del ser humano no tiene tanto sentido.
HB: De ahí que la fuerza de su obra sea el retrato...
LC: Cuando comencé a estudiar tenía que aprender lo que era el oficio, lo que es el dibujo, el retrato, la composición... Cuando me mudé a Holanda, ingresé en la Academia Gerrit Rietveld, que era superrevolucionaria en los años 80. Ahí también estuve jugando con el arte mínimo, el arte cero, trabajé con performance, con muchísimos materiales y formas de expresar el arte, pero elegí concentrarme en el retrato, seguramente por esa gran búsqueda de mí misma. Hasta un momento en el que digo, ¡hasta aquí!, y ahora estudio la deconstrucción, la esencia, el ADN, ¿cómo se ve eso?, ¿cómo se siente eso?... Esos son impulsos de fuerza, de emoción e intuición, allí ya no está jugando el razonamiento. Entonces es cuando saqué el cuadro del bastidor y empecé a abrazarlo, a patalearlo, a pisotearlo en una forma física para entender mi movimiento. Hay cuadros que hasta los deconstruí al ritmo de mi respiración.
HB: ¿Y en qué ha cambiado este nuevo proceso creativo?
LC: Hay una combinación entre lo clásico y el street art, que es como el segundo lienzo. Los pongo juntos y con unos cortes enseño ventanas, ventanas que ven más allá de nuestro ojo. Cuando pensamos en el retrato humano, estamos pensando en un retrato plano, formal, clásico; sin embargo, fíjate en Goya o en Rembrandt, cuantísimo hay detrás de cada lienzo, luces, texturas... Yo, ahora, esas texturas las estoy trayendo hacia delante, como una lupa y esto es muy emocionante para mí: he dejado de ser el artista principal, porque el arte debe ser colectivo.
HB: ¿Por qué ha querido introducir el street art en su obra?
LC: Porque es un grito de masas de la gente joven que quiere expresar con colores, formas o letras sus emociones, desafíos o críticas. Y no es que esté conscientemente pensando en darles voz, lo que estoy haciendo es acercarme a todo lo que aparentemente parece insignificante en el mundo del arte, de ahí que esté reusando muchísimos materiales o residuos para volver a darles una nueva forma artística. El arte no está en un lienzo, una escultura de acero, barro o resina, tampoco en un videoarte, una performance, en un músico o un actor. Todo está conectado, el material es fluido. El arte es fluido. Yo era muy hábil en trabajar con mi pincel y mi lienzo, ahora me he salido del lienzo y he empezado a hacer óperas, colaboraciones de videoarte para películas, piezas cinematográficas, funciones teatrales... Claro que pinto, pero pintar no es importante, lo verdaderamente importante es cómo expreso lo que quiero decir. Es maravilloso porque al fin me siento libre. La Lita de ahora es la que se ha liberado de etiquetas, es una Lita tremendamente curiosa, ambiciosa por conocer todas las posibilidades del arte. Soy libre y feliz, no sé qué es lo que voy a hacer ni qué reto va a llamar a mi puerta..., pero estoy en estado de creación. La madurez me ha servido para descubrir el sentido de la libertad, de la expresión y de la responsabilidad para contigo mismo, que viene a ser vivir la vida plenamente, usar toda tu energía en aquello que te emociona. Lo que quiero es conseguir acercarme más a ese estado de libertad absoluta con el arte.
HB: Es una artista española educada en Holanda, ¿qué le debe a cada uno de estos países?
LC: A España le debo mi pasión, mi herencia de la cultura, del contraste del claroscuro, del sentimiento agridulce. Holanda es la disciplina, el poder trabajar en silencio absoluto y yo necesito muchísimo estar en una especie de anonimato. Esta sobriedad y disciplina de trabajo que hay en Holanda son para mí muy útiles y cómodas, porque soy una persona peligrosamente austera en mi mundo.
HB: Ha sido seleccionada para representar a España en nuestro especial Women in Art, sin embargo, sabemos que a lo largo de la historia del arte las mujeres han estado en un segundísimo plano.
LC: Ahora más que nunca tenemos que reflexionar respecto a este tema. La mujer siempre ha estado en el arte, sin embargo, nunca se le ha dado su lugar. Se le ha recortado todas sus posibilidades, habilidades y talentos. Seguimos siendo una minoría brutal, seguimos con un desnivel respecto al hombre impensable..., pero espera, que las pocas que están vienen pisando fuerte. Pero si ves las mujeres en el mundo del arte que destacan, no llegamos ni al 1 % de los hombres. Pero ese 1 % lo llevamos en bandeja, orgullosísimas, porque es una victoria muy grande, pero es un camino muy largo el que aún nos queda. Es importante que sean visibles, que se apoyen entre sí, que reivindiquen... Alcemos la voz.
HB: ¿No es curioso que en 2023 tengamos que seguir hablando de ello?
LC: Sí, y hay una confusión de roles tremenda en el mundo del machismo. Mira, lo que acaba de pasar con este señor del fútbol en España [Luis Rubiales], de darle ese beso a esta mujer de esta manera... Oyes a mucha gente decir que no es para tanto. ¿¡Cómo que no es para tanto!? ¿Lo haría él con un hombre? Estoy segura de que no. Lo que ha pasado en España en este caso te juro que me espeluzna. Ya basta. Igual cuando hacen bromas con los homosexuales, me dan pánico porque es exactamente la misma manera que hemos conseguido poner la mujer a cero. Las mismas vejaciones, degradaciones... No se hace una broma sobre esto. Vivimos en una sociedad que deja mucho que desear, ya son muchos siglos de civilización y todavía creo que hemos aprendido bastante poco. Se está creando una sociedad pegada a una pantalla, que ya no se habla, que no salen de sus habitaciones, que el suicidio está por las nubes entre los 36 y los 38 años, que los niños en las escuelas se pasan vídeos sobre su vida sexual a los 12 o 13 años... Quiero decir que hay un caos, un caos de decadencia. Y yo soy muy positiva y estoy segura de que viene una generación que acabe con todos estos prejuicios y acabarán con la estructura desde dentro.
HB: Y como antesala, el arte...
LC: Mi hijo dice que estamos viviendo el momento histórico más importante y excitante de la historia, porque todo cuelga de un hilo de cera. Es así, y el arte lo transformará todo...
Peluquería y maquillaje: Kathinka Gernant para Chanel. Producción local: Spark Productions. Asistente de fotografía: David Dijkhoff.
